Liberio's Leisures

Se são fãs de alguma destas séries, vão adorar… e reconhecer. E desculpem a publicidade, mas está o máximo!

O IKEA vasculhou milhares de produtos nos seus catálogos para criar a sua 2real life series", provando de uma vez por todas que a arte imita a vida e a vida imita a arte… e o círculo continua até que percebemos: estamos online, a comprar itens reais baseados num programa de TV, que chegará em alguns dias, para ficarmos sentados enquanto assistimos novamente a esse programa de TV. O slogan do IKEA parece estar a sorrir ironicamente no canto superior direito de cada uma destas recreações: "para famílias reais".



Em cima, vemos a sala de estar de “Stranger Things” e a parede brilha com a energia de um filho assustado perdido no mundo de cabeça para baixo. Em baixo, temos o sofá dos “Simpsons” em toda a sua meta-glória surreal. Praticamente, tudo em cada imagem é real e comprável - até mesmo as camadas de tinta lavanda usadas para iluminar a mesa lateral dos “Simpsons”.



Tal surgiu por causa de uma campanha da Publicis para a marca, com cada sala apela a um diferente tipo de consumidor com diferente tipo de interesses. Porém, o quarto mais perfeito de todos talvez seja aquele que foi inicialmente projectado para parecer o mais normal - o apartamento de “Friends”. A recriação da sala de estar de Monica e Rachel - onde muitos dos melhores momentos do show foram criados – leva-nos imediatamente de volta aos anos 90.



Podemos não precisar de luzes de natal o ano todo para contactar com o Will desaparecido e até podemos não precisar de um tapete circular irônico no centro da sala de estar, mas que cada uma destas propostas é fantástica por si só, lá isso temos de concordar. Agora, qualquer um de nós pode viver dentro do seu programa de televisão favorito. Um verdadeiro atestado do que a IKEA representa: um lugar onde todos podem trazer qualquer ideia que vejam ou tenham para a vida.

Vejam em baixo a comparação. Demais, não acham?

Stranger Things





The Simpsons





Friends

Tudo aconteceu no dia 28 de Novembro de 2008, quando vários locais da cidade de Bombaim, na Índia, foram atacados por indivíduos pertencentes à Lashkar-e-Taiba, uma célula terrorista islâmica do Paquistão. Entre os alvos, o hotel de luxo Taj Mahal, bastante conhecido pela quantidade de estrangeiros e artistas que nele se hospedavam com frequência, foi o mais mediático, tendo os atacantes feito reféns funcionários e hóspedes durante dois dias. Quando se iniciam os ataques, o humilde funcionário indiano Arjun (Dev Patel) tenta ajudar todos os hóspedes a se protegerem dos atacantes, enquanto o norte-americano David (Armie Hammer) e Zahra (Nazanin Boniadi) procuram alguma forma de regressar ao quarto onde se encontram hospedados, já que nele está o seu bebé de meses e Sally (Tilda Cobham-Hervey), a sua ama.



O cinema, enquanto gerador de emoções, não podia deixar de parte mais uma tragédia humana como impulsionador de uma nova história. Baseado numa infeliz história real, esta primeira longa-metragem do realizador australiano Anthony Maras tenta, por um lado, descrever os ataques de uma maneira minuciosa, com filmagens de câmara à mão, para maior realismo, por outro, vai ficcionando os acontecimentos, criando personagens para mexerem com a nossa sensibilidade enquanto espectadores.



E nós, completamente afoitos ao desenrolar tenso do enredo, ficamos num estado aflito e esperançoso no meio do iminente desastre. E vamos ficando nervosos à medida que o filme avança, desde uma estranha acalmia, quando o grupo de terroristas chega de barco, ao crescendo da tensão, à medida que os dez atentados terroristas sincronizados vão atingindo vários pontos da cidade de Bombaim.

Quando acontecem os primeiros disparos e explosões no hotel, a confusão instala-se. Arriscando a sua própria segurança, os funcionários do Taj Mahal vão fazendo de tudo o que está ao seu alcance para minimizar o horror e controlar o pânico. Entre o dedicado pessoal do hotel, tanto o afamado chef Hemant Oberoi (Anupam Kher), que relembra aos empregados o princípio orientador do serviço que prestam: "Os hóspedes são deuses", como o já mencionado Arjun e um homem de negócios russo (Jason Isaacs), optam por colocar as suas vidas em risco para proteger os seus hóspedes. As suas acções salvaram dezenas de vidas.



O “pesadelo” estende-se ao longo de quase duas horas. Maras faz por aproximar-nos o mais possível da sensação de medo e horror vivida por aquelas pessoas, num rigoroso trabalho de ficção que foi baseado em testemunhos e, inclusive, se adensa com o uso de algumas imagens documentais reais. Aliás, a fonte principal da narrativa é mesmo um documentário televisivo. Existe uma certa claustrofobia sentida nos corredores e divisões daquele hotel, dominado por homens fortemente armados e impiedosos, graças a um primor técnico que quase nos faz esquecer que estamos perante um cenário alimentado pela mais bárbara realidade...



“Hotel Mumbai” é uma comovente história verídica de humanidade e heroísmo. Estreado no Festival de Cinema de Toronto, este "thriller" que se inspira em factos reais e que marca a estreia em realização em longa-metragem de Anthony Maras, é um filme a não perder.

Concebida por Quatre Caps, "Not longer life" é uma série de retratos que reflecte sobre o uso do plástico através de uma reinterpretação de algumas das mais famosas pinturas de naturezas-mortas. O projecto vem em resposta ao volume surpreendente de plástico que é produzido a cada ano, e a incrível quantidade de tempo que levará esses materiais para se biodegradarem. Com grande parte desse consumo resultante da embalagem dos alimentos, este trabalho tem como objectivo destacar a quantidade absurda e obsoleta de plástico que é usada para embrulhar as nossas frutas e verduras.

Assim, "Not longer life" reinterpreta e reproduz pinturas de mestres clássicos como Monet ou Caravaggio, e contextualiza-as em situações actuais, como se fossem artistas contemporâneos. Este projecto de Quatre Caps pretende redefinir a natureza morta como uma vida "zombie" ou "embrulhada", levando produtos directamente do supermercado para o conjunto de fotografias.

A colecção de imagens destaca o absurdo das nossas embalagens de alimentos. Desde uma malha que cobre desnecessariamente a pele dura de um melão, às laranjas que estão contidas em embalagens de plástico, apesar de ambas as frutas já possuírem uma casca protectora natural. No fundo, esta série pretende reflectir sobre a direcção que a sociedade de consumo está a tomar e a atitude inconsciente que temos em relação aos recursos naturais na busca de maior conforto.

Todas as imagens são da autoria de Quatre Caps. Ora vejam... Mais em https://quatrecaps.com/


still life painting by Sanchez Cotan reinterpreted



still life painting by Egidio Melendez reinterpreted


still life painting by Monet reinterpreted


still life painting by Abraham van Beyeren reinterpreted


still life painting by Quatre Caps reinterpreted


still life painting by Caravaggio reinterpreted

Tal como aconteceu com o aguardado final de “Game of Thrones", para tristeza de muitos, depois de quatro décadas, Star Wars está também a chegar à sua conclusão épica...

Foi num vale deserto no sul da Jordânia chamado Wadi Rum, ou às vezes "o Vale da Lua" que JJ Abrams foi filmar partes do mais recente filme de “Star Wars, The Rise of Skywalker”, porque é em grande parte desabitada e incrivelmente bela e parece plausivelmente alienígena, e uma das coisas que sempre fizeram os filmes de Guerra nas Estrelas parecerem tão reais - como se possuissem uma vida real própria, que continua além das bordas da tela - é o modo como são filmados no local, com o mínimo de efeitos digitais possíveis. George Lucas filmou as cenas de Tatooine de “A New Hope” no sul da Tunísia. Para este “Skywalker”, o cenário é o Wadi Rum.
Executivos da Disney falam sobre o quão importante é “event-ize” filmes de Star Wars; ou seja, fazê-los sentir não apenas como filmes, mas como ocasiões seriamente importantes. Por isso, eles não irão ter muitos problemas com este “The Rise of Skywalker”, que não é apenas o último filme da trilogia de Star Wars que começou em 2015 com “The Force Awakens”; trata-se do último filme de uma trilogia literal e real de triologias que começou com o primeiro filme de Star Wars em 1977, com o início da saga da família Skywalker. “The Rise of Skywalker” finalmente, após 42 anos, vai culminar essa saga.



Todos nós pensámos que a história acabara em 1983 com “Return of the Jedi”, e então depois, achámos realmente que tinha acabado em 2005 com “Revenge of the Sith”. Mas Star Wars sempre foi um empreendimento incontrolável, grande demais e poderoso (e lucrativo) para ser contido num filme, ou mesmo numa trilogia, ou até em duas trilogias, e muito menos inúmeros romances, programas de TV, BDs, videogames e assim por diante. Agora, Abrams tem que reunir todos esses tópicos e encerrar uma história que foi iniciada por outra pessoa, numa América há muito tempo atrás. "Esse foi o desafio deste filme", diz Abrams. “Não apenas fazer um filme que, como uma experiência independente, seria emocionante, assustador, emocional e engraçado, mas um que, quando se assistir todos os nove filmes, sentirmo-nos a dizer: ah, claro, isso”.



Star Wars também representa uma visão incrivelmente duradoura do que é viver num mundo de tecnologia super avançada. A ficção científica geralmente envelhece mal, transformando-se em kitsch - basta olhar para o “Flash Gordon” - mas Star Wars não. Mais do que qualquer cineasta antes dele, Lucas imaginou com sucesso como seria um mundo de ficção científica para alguém que estivesse realmente dentro dele - o que significa dizer que ele pareceria tão comum e familiar quanto o presente. Ele até filmou como se fosse real, trabalhando de perto e evitando, em geral, grandes planos de filmagem, mais como um documentário ou um noticiário do que uma ópera espacial. "É uma sensação muito fundamentada", diz Naomi Ackie, que está a fazer a sua estreia na saga Star Wars em “Skywalker”, a interpretar uma personagem chamada Jannah, mas sobre a qual nada pode dizer. “Há o tipo de coisa mágica espectacular e magia sobrenatural, mas também existe essa natureza realmente sólida e acidentada, onde tudo está angustiado, velho, desgastado e vivido. E acho que brincar com essas duas ideias significa que podemos ter a sensação de que isso pode ser quase real. Como numa galáxia distante, quase poderia acontecer que pudéssemos ter isso.”



Quando Lucas fez a primeira sequela de Star Wars, “The Empire Strikes Back”, ele descaradamente o rotulou de Episódio V, então voltou e rotulou o primeiro filme como Episódio IV. Naquela época, ele também começou a falar sobre Star Wars como um épico de nove partes - então, em 2012, quando Lucas se aposentou e vendeu a Lucasfilm para a Disney, não constituiu exactamente “heresia” que a Disney anunciasse mais filmes. Na época, Kathleen Kennedy acabara de ser nomeada co-presidente da Lucasfilm, e convocou Abrams para realizar o primeiro filme de Star Wars pós-Lucas da Disney. À primeira vista, o filme de estreia de Abrams, “The Force Awakens”, parecia uma elaborada homenagem ao original. Assim como em “A New Hope”, há uma jovem sensível à Força num planeta deserto - é Rey, interpretada por Daisy Ridley - que encontra um andróide com uma mensagem secreta que é vital para a Rebelião (esperem, é a Resistência agora). Há um vilão em uma máscara preta, assim como Darth Vader, excepto que é seu neto, Kylo Ren (Adam Driver), Ben Solo, filho de Han e Leia. Kylo tem uma arma que mata o planeta, muito parecida com a Estrela da Morte, mas muito maior, que se torna o alvo de um ataque desesperado de asas X de Resistência. Há até um bar cheio de alienígenas… onde já tínhamos visto isto?



Abrams também insistiu em manter a estética analógica da trilogia original: os alienígenas tinham que ser de látex e iaque, não de bits e bytes, e tudo o possível era filmado em locais fazendo uso de câmaras de filme, não digitais. Até mesmo Lucas abandonou essa abordagem quando fez a segunda trilogia de Guerra nas Estrelas, mas muitos fãs consideram esses filmes uma história de advertência.

Outras coisas que se sabe sobre “Skywalker”: pode-se, certamente, presumir que a Resistência e a Primeira Ordem estão a ir em direcção a um grande sucesso final, o que será um grande impulso para os “bons” porque, no final de “The Last Jedi”, a Resistência tinha caído, abrindo caminho para um punhado de sobreviventes. Eles irão enfrentar uma Primeira Ordem que sofreu uma perda dolorosa, mas em grande parte simbólica, na Batalha de Crait, e que aprendeu algo com os oito filmes anteriores. O Império construiu e perdeu duas Estrelas da Morte. A Primeira Ordem já perdeu uma super arma em “The Force Awakens”. Presumivelmente, não irá cometer o mesmo erro duas vezes…



Mas as apostas são ainda cósmicamente mais elevadas. Fontes próximas ao filme dizem que, finalmente, “Skywalker” levará ao clímax o conflito milenar entre a Ordem Jedi e sua sombra escura, os Sith.
A escuridão nos filmes de Star Wars tende a vir do medo: para Anakin Skywalker, o avô de Kylo, era o medo de perder a sua mãe e a sua esposa. Depois de dois filmes, ainda não é fácil dizer exactamente o que o próprio Kylo Ren teme, embora ele seja tão operativamente emocional quanto Vader era estóico. Ele está fixado no passado - ele fez, inclusivamente, um santuário para o seu próprio avô - mas ao mesmo tempo, o passado atormenta-o.

Ao contrário de Luke e Rey, Kylo nunca teve uma viagem de autodescoberta. Em vez disso, ele cresceu sob a pressão esmagadora de grandes expectativas. Deste modo e pela lógica emocional que governa o universo de Star Wars - e também o nosso - Kylo Ren terá que confrontar o passado e os seus medos, sejam quais forem, ou ser destruídos por eles.

Enquanto as triologias de Lucas tendiam a seguir as raízes e os ramos da árvore genealógica do Skywalker – a sua saga pessoal era a saga da galáxia escrita - os novos filmes têm uma abertura ligeiramente maior e recebem uma nova geração de heróis. Há Rey, cujas fontes dizem ter progredido no seu treino desde o final de “The Last Jedi” até ao ponto em que está quase completo. Com isso resolvido, tudo o que ela tem que fazer é reconstituir toda a Ordem Jedi do zero, porque, até onde sabemos, ela é a última que resiste.



Se Kylo Ren não puder ser resgatado, quase certamente cairá porque Rey irá derrubá-lo, apesar do seu vínculo. O relacionamento deles é o mais próximo que a nova trilogia tem de uma história de amor cruzada do tipo Han Solo e Princesa Leia: uma fonte próxima do filme diz que a sua conexão com a Força se tornará ainda mais profunda do que pensávamos. Eles são especialmente adequados para se entenderem, mas, ao mesmo tempo, estão, em todos os sentidos, inversos um do outro, até a rejeição perversa de Kylo da sua família, que é a única coisa que Rey mais deseja. Por seu turno, Rey parece pronta para tudo, ou tão pronta quanto qualquer um poderia estar.
Há também Finn, o Stormtrooper apóstata, interpretado pelo irreprimível Boyega, que praticamente vibra com energia e fala com um sotaque do sul de Londres, muito diferente do americano de Finn. De certa forma, Finn já passou por uma completa afirmação de carácter: ele confrontou o seu passado - derrotando o seu antigo chefe, o capitão Phasma - e encontrou a sua coragem. assim como o seu centro moral. Ele teve uma tendência a entrar em pânico, se não mesmo de abandonar activamente, em situações de emboscada, mas na batalha de Crait ele provou que tinha ultrapassado isso. "Acho que ele é apenas um membro activo da Resistência agora", diz Boyega. "Episódio 8, ele não conseguia decidir por qual equipa ele estava a lutar. Mas desde então ele tomou uma decisão clara. ” (os membros do elenco tendem a referir-se aos filmes de Guerra nas Estrelas pelos seus números de episódios: quatro é o filme original, sete é “The Force Awakens” e assim por diante.)



Star Wars está a ficar cada vez mais omnipresente. A franquia sob o domínio de Lucas era um colosso. Porém, Star Wars sob a Disney faz com que o antigo universo pareça positivamente pitoresco. Entre 1977 e 2005, a Lucasfilm lançou seis filmes de Star Wars; quando “The Rise of Skywalker” estrear em Dezembro, a Disney terá lançado um total de cinco filmes Star Wars em cinco anos. Por um lado, a Disney respeita muito tudo o que envolve Star Wars e, desde o começo, sempre teve o cuidado quanto à fragilidade da forma de contar as suas histórias. Porque é algo que significa muito para os fãs. Não era possível fazer o que a Marvel faz, onde escolhe personagens e cria novas franquias em torno dessas personagens. Star Wars precisava evoluir de maneira diferente.



Finalizando, Kylo Ren tem tudo errado: não pode trazer de volta o passado e se tornar no seu próprio avô, e não pode matar o passado também. Tudo o que pode fazer é fazer as pazes com ele e aprender com isso e seguir em frente. Abrams está a fazer o mesmo com Star Wars - e por seu turno, a Resistência terá que fazer isso também, se eles realmente levarem esta saga ao fim. Porque já estivemos nesta situação antes, a ver um bando de rebeldes destruírem um império tecnofascista, o que parecia funcionar bem na época - mas não durou. O mesmo vale para os Jedi e a sua luta com os Sith. Por isso, para terminar esta história, realmente chegar ao fim, eles terão que descobrir as condições de uma vitória mais permanente sobre as forças da escuridão. O seu passado era imperfeito, na melhor das hipóteses, e o presente é um desastre completo - mas o futuro está todo diante deles. Desta vez, esperamos, eles vão finalmente acertar. Mas há que esperar...

(post escrito com base num artigo da revista Vanity Fair> - imagens de Annie Leibovitz)

Desculpem-me a publicidade, mas há iniciativas que merecem ser faladas e honradas. A McDonald's revelou uma mini versão do seu icónico restaurante numa tentativa de atrair milhares de "convidados importantes" todos os dias. Um mini-restaurante completamente igual aos normais da cadeia, com janelas drive-thru e mesas ao ar livre, ao qual a empresa de fast food está a denominar o "McDonald's menor do mundo". Porém, hambúrgueres e batatas fritas não são servidos neste humilde paraíso de abelhas - na verdade trata-se de uma colmeia em pleno funcionamento.



Com os famosos arcos amarelos da marca, o McHive celebra a nova iniciativa da McDonald's para o bem-estar e a preservação das abelhas. Em toda a Suécia, vários da cadeia de restaurantes já possuem colmeias nos seus telhados, algo que a McDonald's diz estar a proliferar também por outros países. E assim, presta-se homenagem aos McDonald's do país que têm colmeias nos seus telhados.



"A iniciativa começou localmente, mas agora está a crescer", explica a NORD DDB, a agência criativa que supervisionou todo o projecto. "Mais franchisados em todo o país estão a unir-se à causa e também começaram a substituir a relva em torno dos seus restaurantes por flores e plantas, que são importantes para o bem-estar das abelhas selvagens."

Colónias de abelhas em todo o mundo estão a morrer em números alarmantes. E há muitas razões para esse declínio alarmante, mas a maioria delas depende de nós. Alguns McDonald’s na Suécia já estão a fazer a sua parte para ajudar estas nossas amigas de importância vital.

Agora, após um dia longo e árduo, a comunidade de abelhas pode, finalmente, comer uma refeição num McDonald's.

Impressionados? Eu também fiquei! Uma destas três modelos, apresentados na i-D japonesa, trata-se de uma rapariga virtual. A marca de maquilhagem nipónica KATE Tokyo apresentou um artigo na revista i-D de Abril deste ano onde não parece haver nada fora do comum. Vejam a imagem em baixo, por exemplo: três modelos a usarem maquilhagem KATE – uma modelo nipónico-francesa Mayben que se inclina a partir da esquerda; a modelo americano-japonesa Polkey olha em redor à direita e no centro, a modelo CGI "Imma" segura as caras de ambas e encosta-as ao seu cabelo rosa em corte bob.



Porém, Imma é uma modelo virtual com 50.3 mil seguidores humanos. Os seus interesses são cultura e cinema japoneses e, aparentemente, modelagem. Imma, ou alguém a administrar a conta de Instagram de Imma, responde aos comentários dos seguidores. Esta é a sua primeira estreia com a i-D Japan, mas vamos ver muito mais dela num futuro próximo.



A tecnologia gerada por computador está a melhorar rapidamente, tanto que às vezes é difícil dizer a diferença entre o que é real e o que é animado. No entanto, o CGI não está a ser usado apenas para efeitos especiais em filmes - hoje, a tecnologia também está a ser aplicada para criar pessoas geradas por computador incrivelmente realistas. Daí termos Imma, a modelo virtual japonesa que está a impressionar a indústria da moda.
Imma é nomeada após a palavra japonesa "ima", que significa "agora", e ela certamente representa o boom da tecnologia moderna. Criada pela empresa CG ModelingCafe, ela parece uma verdadeira modelo de moda e possui os seus próprios perfis no Instagram (www.instagram.com/imma.gram) e no Twitter. Cada uma das imagens de Imma é computorizada, no entanto, é quase impossível de tal ser perceptível, pois tudo, desde o cabelo cor-de-rosa até à textura da pele parece incrivelmente real.



A carreira de moda de Imma já arrancou e antes da i-D, ela até já apareceu na capa da revista CGWorld e WWD. "Estou interessado na cultura japonesa", diz ela na sua biografia do Twitter.





Este é mais um passo em direção a pessoas CG virem a ser usadas como modelos, mas o que é que isso significa para a indústria da moda como um todo? Há sentimentos mistos sobre este assunto, quando se pensa sobre o futuro dos empregos para os seres humanos. No entanto, é difícil negar o quão impressionante e versátil Imma é do ponto de vista artístico… Fiquem com mais imagens suas e comprovem.

Sempre atenta ao que faz sucesso para lá das telas, Hollywood não poderia deixar passar despercebido o “tsunami” promovido por Pokémon Go!, o singelo jogo de aplicativo que fez com que milhões por esse mundo fora percorressem todo o tipo de lugares à procura dos tais monstrinhos escondidos (não foi o meu caso). Focando-se neste ávido público, formado tanto por veteranos da série e dos filmes de animação, quanto pelos novos fãs que apenas os conheceram graças ao tal jogo digital, chega agora aos cinemas o primeiro live-action desse universo – “Pokémon: Detetive Pikachu”. Porém, com muitas novidades que poderiam desiludir em cheio os fãs: sem Ash, nem treinadores, e quase sem batalhas ou mesmo pokébolas.



Por isso, apesar de “Pokémon: Detetive Pikachu” estrear-se no grande ecrã com o grande peso que a franquia Pokémon poderia colocar nas costas de qualquer produto vinculado à sua marca, esperava-se um filme que agradasse ao seu público-alvo, no caso dos mais jovens, ao mesmo tempo que respeitasse aqueles que embarcaram no universo que existe há mais de 20 anos. E o resultado não poderia ser mais satisfatório… o filme já arrecadou 178 milhões de dólares a nível mundial na sua primeira semana, tornando-se o maior sucesso de bilheteira de estreia da história para um filme inspirado num jogo. Com menos de uma semana em cartaz, “Pokémon: Detetive Pikachu” já ocupava a 11ª posição na lista das maiores bilheteiras de todos os tempos para adaptações cinematográficas de games. A ponto de fazer tremer quem ocupa o trono do box office norte-americano, o filme “Vingadores: Endgame”, que domina os cinemas locais. “Pokémon: Detetive Pikachu” conseguiu incríveis números, mas não o suficiente para superar os de “Vingadores: Endgame”. Mas apesar do segundo lugar, “Pokémon: Detetive Pikachu” teve uma das melhores estreias da Warner Bros nos últimos anos. Por cá, com o absoluto domínio conseguido também por “Vingadores: Endgame” nas primeiras semanas, chegou finalmente um candidato à altura, ou pelo menos, alguém que os fez suar pela posição cimeira no box office do último fim-de-semana. A luta foi apertada, pouco mais de mil euros separam os resultados das bilheteiras de ambos no último fim-de-semana, mas o filme dos Heróis mais Poderosos da Terra acabou por cima.



Deixando as análises de lado, passemos ao filme. Baseado no jogo homónimo, “Pokémon: Detetive Pikachu” é uma reinvenção do universo canónico, mas tendo em consideração o politicamente correcto dos dias de hoje, o que faz com que as habituais batalhas entre os pequenos monstros e os seus treinadores sejam abolidas - ao menos em Ryme City, a cidade-modelo onde é situada a história. Num mundo onde pokémon e humanos vivem em harmonia, a paz é colocada à prova quando um detective morre misteriosamente, deixando para trás o seu companheiro de investigações: ninguém menos do que Pikachu. Com amnésia, o pequeno bichinho eléctrico amarelo precisa descobrir o que realmente aconteceu. Mas o desaparecimento do detective policial Harry Goodman também faz com que o seu filho Tim (Justice Smith) parta à sua procura. Ao seu lado, ele passa a contar com Pikachu, antigo parceiro Pokémon de seu pai, que perdera a memória recentemente e que adora café. Juntos, eles percorrem as ruas da metrópole de Ryme City…

Com Alex Hirsch como argumentista e Rob Letterman na realização, o elenco de “Pokémon: Detetive Pikachu” conta também com Ryan Reynolds (como a voz de Pikachu na versão em inglês), Ken Watanabe e Kathryn Newton.



Com tanto histórico na bagagem, “Pokémon: Detetive Pikachu” não se esquiva de nos dar easter-eggs que fazem a delícia do público mais fiel. A chegada a Ryme City oferece uma constelação de monstrinhos que farão exercitar a memória dos fãs mais atentos, numa busca incessante por se lembrarem do nome de cada um deles, mesmo quando pouquíssimos tenham realmente participação na história. Além disso, este live-action entrega-nos Pokémon em versão peluche, que instigam qualquer um de nós a querer agarra-los, para acariciar e apertar. Bem fofinhos...



Habilmente, Rob Letterman vai quebrando, de vez em quando, alguma monotonia da narrativa com algum alento para o fã espectador. Assim, temos uma batalha clandestina a envolver pokémon e Psyduck a roubar a cena sempre que aparece. Até mesmo Mewtwo, o vilão do primeiro filme de animação, conta com um truque narrativo que lida (mais uma vez) com a memória afectiva dos fãs.



“Pokémon: Detetive Pikachu” entrega-nos cenários multicoloridos, pokémons incríveis e muita diversão. E os veteranos, como eu, até vamos encontrando influências assumidas, desde “Gremlins” a “Avatar”. O enredo do filme é interessante e deve suprir a necessidade de quem espera uma boa narrativa. Funciona como um bom entretenimento, sem dúvida! Mas o grande trunfo do filme é o de passar a ideia de como seria um mundo onde existissem, de facto, Pokémon, graças a um trabalho incrível de efeitos especiais.